Dámaso Pérez Prado - Pérez Prado 70 [Orfeon, 1970]

"...Sin falsas pretenciones, hemos querido titular este nuevo disco de larga duración de Pérez Prado, como 'Perez Prado 70', pensando que por lo avanzado de su técnica musical y por la grata innovación que el genio creador de este gran músico ha traido hasta el. En el contenido de este álbum encontrará usted la justificación precisa por que le llamamos 'Perez Prado 70', ya que de inmediato notará que en la aplicación del sonido electrónico a sus instrumentos acostumbrados, Pérez Prado ha logrado un sonido distingo a todo lo que antes habiamos escuchado en música grabada..." Liner notes.

NO a los baños en lodo, a los masajes furtivos y a los ansiolìticos eventuales. Mejor métanse vía intravenosa "Pérez Prado 70", olviden el stress y disfruten la vida. Dámaso Pérez Prado supo como llevársela leve en su larga vida. 1970 fué el año en que tuvo a bien registrar este material, un disco que me parece emblemático de la época experimental del cara de foca. Este material sintetiza las virtudes y flaquezas del ensamble que dirigió por aquellos años. No es preciso escribir demasiado de este disco más que dejarse llevar por la emoción pura, nada de juicios técnicos ni reproches por falta de ornamento (Orfeon, get it?). Basta con sentir el álbum en su sencilla pureza y no cuestionarlo demasiado. Prado en ácido sería la manera mas práctica de sintetizar todo este irrelevante chorizo: instrumentos eléctricos, pedales wah-wah, apoteósicos drum breaks, dreamy organ, soberbios arreglos y otras lindezas más propician que la improbable unión de la música latina con el soul y el funk se materialize (para bien o para mal). Demasiadas veces he escuchado este material, sea en compañía o en soledad, a veces en sobriedad y otras tantas intoxicado, pero siempre con mucha emotividad. ¿Y qué opinan vuestras mercedes?. Ya sé que no es avant-garde o minimal techno, er, turco que puedan apreciar algunos exquisitos de la localidad, pero… ¿acaso hay quien únicamente se mantenga musicalmente del jazz, o del rockcito acaso? Yo no: soy omnívoro musical, y la única condición es que el disco me guste, sea del género que sea. Escúchenlo. Agradezco a Sergio Torres Esquer de La Ciruela Eléctrica por el "ripeo" del disquín.

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The Cure - In Orange (1986)

Después de su álbum mas comercial hasta ese entonces, The Head On The Door (1985), The Cure definitivamente dejó de ser la banda que solo escuchaban "niurros" (version Tijuanera de la descripcion "darketos") y otra gente de vestuario negro fantasamagórico y peinados asimétricos. Ya los oian los morritos popis y fresas, precisamente el tipo de gente que no querias que escucharan la misma musica que tú, pero eso ya estaba fuera de tu poder, ya que Robert Smith siempre habia sido un compositor muy melódico y pop (en comparación, por ejemplo de Bauhaus, otra banda emblemática de la razita darki), pero con "The Head On The Door" de plano se paso de cabrón. Canciones como "InBetween Days" y "Close To Me" llevaban a un punto álgido el pop de sus hits anteriores como "Let's Go To Bed". Quisiera uno o no, habían llegado a un pop tipo Top40, pero creativo y lleno de personalidad.

Ese fue el momento en el que la banda explotó en serio y fue en esa época cuando decidieron capitalizar sobre su éxito y filmar un concierto completo llevado a cabo en un anfiteatro en el sur de Francia y lanzar la pelicula "In Orange". Aquí encontrarán el concierto completo y podran escuchar a la banda en lo que creo personalmente, fue su mejor momento. Robert Smith en particular se luce como un guitarrista no precisamente virtuoso, pero bastante distintivo, creativo y conciso. No hay muchos musicos de esa época que podrian haber sustituido a John McGeoch en Siouxsie & The Banshees, sin dejar un hueco enorme. Aparte esta esa voz de la cual se puede decir exactamente lo mismo que su estilo de guitarra: distintivo, creativo y conciso.

Aquí no solo vienen los hits ya mencionados, si no que tambien vienen tracks menos "quemados" como "Play For Today", "Push", "A Strange Day" que suenan tan melódicos y pop como sus éxitos comerciales que se extrana uno de no haberlos oido en el radio mas seguido. Viene tracks mas claustrofóbicos como "One Hundred Years" y "10:15 Saturday Night" en versiones asperas y pesadas, así como también vienen una versión bellisima de "Faith".

Para los fans "old school" como yo, es buen "disco" para recordar porque nos gusta(ba) tanto esa banda y para los que no los conocen mas allá de una que otra canción, es muy buen punto de entrada. Háganse el favor de buscar videos de este concierto en YouTube.


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Arthur Verocai - Arthur Verocai (1972)

Me gustaría mucho poder decir que este disco lo escucho desde hace varios años, pero la verdad es que lo acabo de descubrir de manera accidental la semana pasada. Andaba buscando cosas de Tropicalia, cuando aparecio este álbum en un blog increible de música brasileña (loronix.blogspot.com.). Arthur Verocai es un arreglista y productor activo desde fines de los años 60. Trabajaba también como ingeniero civil a la vez que hacia discos para Gal Costa y música para televisión. Grabó su primer álbum de solista en 1972 (el aquí incluido) y tardó 30 años en grabar un segundo disco.

Este álbum sin título, tiene elementos de rock ácido con funk, pop orquestal y jazz, todo ejecutado con groove brasileño y arreglos meticulosos de ejecución impecable.

"Dedicada a ela" tiene un sonido que suena a Pink Floyd en la playa en Copacabana, mientras que "Caboclo" recuerda al folk melódico de Nick Drake. El álbum ha sido sampleado por hip-hoperos como Madlib y MFDoom. Al que le guste la Tropicalia, Portishead, Stereolab, Beck o Gainsbourg o los ya mencionados anteriormente, aquí va encontrar algo que le guste. Creo que no puedes escuchar este disco y terminar aburrido o de malas. En caso de ser así, realmente lo siento por ti.

(Gracias a Loronix por este album).

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Size-El Diablo En El Cuerpo (1985)

Size es una banda post-punk con sintetizadores, que desfoga su delirio musical en dos producciones, la primera de nombre Tonite / Daily Matrix (1978) y esta, que viene a ser un disco indispensable -si es que tal cosa existe- de la música underground y avantgarde en México:
El diablo en el Cuerpo (1985).

Las marcadas influencias de Fad Gadget, de Ultravox y del mejor Clash estan presentes en su sonido. Antes de la aparción de eso que un sello disquero llamó "Rock en tu idioma"; Size existía y editaba canciones que hablaban de seres con metamorfosis físicas, a la vez que acuñaban frases ingeniosas y divertidas.
Se editó por separado un 12" con la canción El Diablo en el Cuerpo en el lado A, y La Cabellera de Berenice en el lado B.

Los integrantes de Size firmaron los créditos del disco con ocurrentes seudónimos:
Dennys Sanborn´s on bass/synth
This Grace on guitars
Dean Style on the drums
Illy Bleedin on vocals and vocoders.

Para conservar el enigma, develaré aquí el verdadero nombre de los dos primeros. This Grace es Walter Schmidt y Dennys Sanborn´s es Carlos Robledo. Ambos editarían otro disco en 1985 con el nombre de Casino Shanghai. Do I need to say more?
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Furniture - Food, Sex & Paranoia (1989)

Furniture fue un grupo al cual no se le dieron las cosas. Cuando tuvieron el hit que los llevaria a la fama, su disquera se vino abajo por un fraude interno. Congelados por cuestiones legales, trabajaron sobre "Food, Sex & Paranoia" que saldria en 1989, cuando ya nadie daba un pito por ellos.
No ayudaron a su causa con estas nuevas canciones que estaban al margen de cualquier tendencia musical del momento. Usaban guitarras, pero no eran "guitarreros" grunge, usaban sintes y teclados; pero no tenian nada que ver con el synth pop y mucho menos con el sonido Manchester que era la sensación del momento. Usaban ritmos y instrumentos exóticos, pero no eran "worldbeat".

Tenian 2 chicas en la banda que no estaban ahi como atractivo visual sexy, sino contribuyendo musicalmente. Y lo peor de todo, es que en este disco en especial, todas las canciones hablaban de amor, a veces con la pasion y desenfreno de una relación recien estrenada, y otras veces con una precisión y frialdad clínica.

Se podria decir que "Food, Sex & Paranoia" trata casi exclusivamente sobre las diferentes etapas de una relación: la consumación de una nueva pasión ("Slow Motion Kisses"), el reconocimiento del hastío que acaba con esa pasión ("On A Slow Fuse"); la negación incrédula de una separación ("A Taste Of You"- que suena como Morrissey via Broadway), y al final, literalmente, la aceptacion de ese fin ("Hard To Say"). Todo esto expuesto con letras inteligentes y maduras, sin referencias esotéricas o guiños de ironía postmoderna que entonces estaba tan de moda.

Todos los temas son instrumentados y arreglados con influencias que van desde Scott Walker, John Barry a Serge Gainsbourg, The Fall y Magazine. Hasta música Gamelan, dub y la chanson francesa.

Cada tema termina siendo una escena precisa, con personajes y situaciones bastante identificables, por las que todos hemos protagonizado o presenciado en un momento u otro de nuestras vidas. El que no se reconozca a si mismo en una o mas de estas canciones, obviamente se esta haciendo pendejo o tiene conflictos que resolver. Siempre he pensando que es el álbum perfecto para acompañar el final de una relación, de esas que si te duelen.

Asi que por eso, se los ofrezco en este 14 de Febrero.

Suerte enamorados...

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Casino Shanghai-Film (1985)

Casino Shanghai es la primera banda de culto en la música electrónica mexicana y Film su único disco. Comandados por el genial Carlos Robledo. Ulalume, Walter Schmidt y Humberto Alvarez, lograron lo que nadie antes en este país de "cuerpos huecos", grabar un disco de vanguardia electrónica y convertirse en un clásico instantáneo.

Ocho canciones para guardar en la memoria y descifrar cómo se empezó a gestar la escena electrónica mexicana, tan vibrante en nuestros dias.

Esta grabación es de las pocas que poseo tanto en vinilo como en casete. No la tengo en cd, porque nunca se editó en dicho formato.

De manera anecdótica, les cuanto que a mediados de los ochenta, que fue cuando conseguí el disco, era de esas joyas que a muy pocos dejaba grabarlo o incluso escucharlo. Corrían los dias cuando guardabas celosamente, no sin una pizca de egoísmo, esos discos de tus bandas secretas favoritas que sólo un séquito diminuto conocía. Una especie de club secreto con tufillo snob. Patético! La música que no se comparte, está destinada a morir olvidada.

Afortunadamente esos años ya pasaron y ahora se trata de compartir la mejor música que hayas escuchado en tu vida, con quien quiera escucharla.

Así que aquí lo tienen, El Film de Casino Shanghai:

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ps: gracias a Arturo Aguilar por la transferencia en zip.

Carlos Garnett - Black Love (1974)

He escuchado otros trabajos de Carlos Garnett y sigo creyendo que éste es el disco cumbre del saxofonista panameño. Black Love es un disco de sorprendentes arreglos y desquiciados coros. La agrupación incluye a los heavyweights de Buster Williams, Norman Connors, Charles Sullivan, Mauricio Smith, Reggie Lucas, Billy Hart, Mtume y Dee Dee Bridgewater; esta última es la que se encarga de recordarnos, en el tema “banks of the nile”, que son las negras y sólo las negras las que pueden cantar (gritar armoniosamente) la música jazz ¿acaso alguien sigue creyendo que Diana Krall canta bien?

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Joy Division-Bowdon Vale Youth Club (1979)

Es un concierto que Joy Division ofreció en el Bowdon Vale Youth Club en 1979. En él se aprecia la crudeza y el esplendor de una de las bandas más significativas del siglo XX. La calidad del audio, por obvias razones, no es la óptima, sin embargo el concierto es un testimonio de toda una época y del comienzo de un sonido que trasciende hasta nuestros dias.
Este concierto es inconseguible en el mercado, el encargado de "limpiar" el sonido de la fuente orignal en cinta, apunta lo siguiente:

"I've been meaning to clean this up for ages. The original had many, many little drop-outs and an imbalance between the channels. This was probably down to the deteriorating quality of the original tape or dirty tape heads. There were also about 200 digital clicks which have all been manually removed. This allowed me to normalise the whole show, track by track to allow playback at fairly constant volume. You can now hear snare, hi-hats and symbols without the need for further digital enhancement. There is absolutely no noise/hiss reduction so there is still a slight hiss, predominantly on the right channel".
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Ástor Piazzolla - María de Buenos Aires (1968)

María de Buenos Aires es una ópera en dos partes, con 8 canciones cada una. El libreto narra el nacimiento y muerte de “María de Buenos Aires”, figura femenina dotada de un gran simbolismo, cuyo espíritu da a luz luego una segunda María. A lo largo de toda la obra se van encadenando decenas de estereotipos tangueros y porteños y algunos personajes surrealistas.
Los más grandes compositores y poetas del tango alabaron la obra apasionadamente cuando se estrenó en Buenos Aires con el bandoneón de Ástor, el recitado de Horacio Ferrer y la voz de Amelita Baltar en el rol principal.

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Jorge López Ruiz - Bronca Buenos Aires (1970)

Siempre pensé que me gustaría morir oyendo algún ensamble de Mingus. Ahora no estoy tan seguro. Sinceramente, me gustaría morir con Bronca Buenos Aires en la tornamesa. Sí, tal vez ahora la emoción se me sube a la cabeza y mañana piense en morir con el Out to Lunch de Dolphy. ¡Qué importa! Por lo pronto diré lo que todo fanático tiene que decir al reseñar un disco que le ha volado la cabeza: “música de altísima e inconmensurable factura”.

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